Domingo 30 de Junio a las 20h, en el "Racó de l'Abadia"
Concierto Inaugural
Francisco Lopez, Flauta
Eugenia Moliner, Flauta
Denis Azabagic, Guitarra
Luis Arias, Piano
Jueves 4 de julio a las 20h, en el "Racó de l'Abadia"
Concierto
Alberto Muñoz, Violoncello
Fernando Pascual, violin
Eugenia Moliner, Flauta
Denis Azabagic, Guitarra
Viernes 5 de julio a las 18h, en la sala Juan Varea
Concierto a cargo del alumnado del curso de música y entrega de diplomas.
Domingo 7 de julio a las 19h, en la sala Juan Varea
Final del III concurso internacional de Cámara, Flauta & Guitarra +
seguido de la entrega de premios.
ENTRADA LIBRE EN TODOS LOS CONCIERTOS
PROGRAMAS
Festival Juan Gual Esteve
Concierto de música de cámara
Burriana, España
4 de julio de 2024
Fernando Pasqual, violín
Alberto Muñoz, violonchelo
Dúo Cavatina (Eugenia Moliner, flauta & Denis Azabagic, guitarra)
David Leisner (1952-)
Trittico
- Allegro Giusto
- Adagio sospiroso
- Allegro con brio
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Dúo para violín y violonchelo K. 423
- Allegro
- Adagio
- Rondo Allegro
Atanas Ourkouzounov (1970-)
Râga “Ibriama” (dedicado a Eugenia Moliner y Denis Azabagic)
Francisco Tárrega (1852-1909)
Capricho Árabe (guitarra)
Carlos Rafael Rivera (1970-)
Plegaria y Canto (al Bodre de La Mar)
para flauta en sol, violín y guitarra
Notas del Programa
LEISNER:
Encargado y dedicado a James Smith, guitarrista radicado en Los Ángeles y director del departamento de guitarra de la Universidad del Sur de California, Trittico fue compuesto en 1985 y revisado en 2002. Un tríptico es una forma de pintura común en el período renacentista, con tres paneles, a menudo con bisagras en los lados, generalmente con los dos paneles exteriores más pequeños subordinados al grande en el centro. A menudo se utilizaban como retablos.
Por alguna razón irracional pero explícita, la música abstracta de Trittico me parece italiana; de ahí el título y las indicaciones en italiano. El movimiento central es una rapsodia emocionalmente elaborada, con pasajes solistas tanto para violonchelo como para guitarra, mientras que los movimientos exteriores son ligeros y aéreos.
MOZART:
El dúo de cuerdas K.423 de Mozart es originalmente para violín y viola y se clasifica como una de sus obras de cámara más populares y a menudo se toca en arreglos para violín y violonchelo, como se presenta aquí. Lo escribió para completar un conjunto de Michael Haydn. El K.423 en Sol mayor es complejo y conversacional, el apogeo del dúo clásico.
OURKOUZOUNOV:
Atanas Ourkouzounov es una de las personalidades más interesantes de la música contemporánea búlgara. Guitarrista y compositor con una rica formación musical, es considerado uno de los principales autores en el dominio de la música para guitarra de la nueva generación. La amplia inspiración de su lenguaje musical es el resultado de un uso sutil de las formas, una búsqueda rítmica interminable y original, y un trabajo de color que lleva a la guitarra a explorar nuevos territorios y sonoridades. Atanas Ourkouzounov creció en Sofía, Bulgaria, donde comenzó estudios de guitarra con Dimitar Doitchinov. A partir de 1992, continuó sus estudios en Francia con Arnaud Dumond, Alexandre Lagoya y Olivier Chassain. Estudió guitarra, música de cámara, análisis, etnomusicología e improvisación en el Conservatorio de París y se graduó en 1997 con un voto unánime para el primer premio en guitarra.
En la música balcánica y particularmente búlgara, hay una fuerte mezcla de influencias eslavas, musulmanas y romaníes (gitanas). Los romaníes son muy a menudo músicos de alto nivel allí también. Así que no usé en particular ningún tema gitano, pero como dije, las influencias gitanas ya están en la música balcánica. Llamé a la pieza Raga debido a la estructura, una especie de raga balcánica con una introducción lenta y una parte rápida y virtuosa con un ritmo búlgaro de 11/8 llamado Kopanitsa. Como sabemos, los romaníes vienen de la India, así que me parece interesante hacer el puente de las culturas de esa manera. Ibriama es el apodo del mejor clarinetista búlgaro Ivo Papazov, quien también toca a menudo con músicos gitanos. Al final intenté hacer mi propia música personal basada en todos estos parámetros. La pieza fue encargada y dedicada al Cavatina Dúo.
TÁRREGA:
Capricho Árabe es la obra más popular del icónico guitarrista español Francisco Tárrega, quien inició el renacimiento del interés por la guitarra clásica que había caído en desuso durante el período romántico. Viajó extensamente por todo el país, explorando las tradiciones folclóricas de diferentes regiones para crear nuevas estéticas para la música de guitarra que siguen siendo relevantes hasta el día de hoy.
Tárrega escribió su Capricho Árabe en 1888 mientras estaba en Valencia. Se imprimió al año siguiente, convirtiéndose en su primera composición publicada. Tárrega había explorado recientemente el norte de África y la región de Andalucía en España, donde históricamente se mezclaron las culturas musulmana y cristiana. Estos viajes influyeron fuertemente en Tárrega al escribir esta pieza.
Después de la rápida introducción diseñada para evocar asociaciones con el sistema melódico tradicional árabe Maqam, Capricho Árabe gira compositivamente en torno a un solo tema que se desarrolla suavemente en la tonalidad de re menor y luego varía al pasar a re mayor. Esta modulación bastante inusual ayuda a crear un contraste distintivo dentro de la misma obra sin realizar alteraciones serias en el estilo de interpretación. Al final de la pieza, los pasajes melódicos regresan a sus formas originales y ayudan a restablecer la tonalidad menor.
Capricho Árabe, marcado por el compositor en el manuscrito como una serenata, está dedicado a su compatriota Tomás Bretón, cuya contribución al establecimiento de las tradiciones folclóricas españolas en la música clásica fue considerada vital por Tárrega.
Capricho Árabe fue interpretado por varios grupos de músicos en el funeral de Tárrega en 1909.
RIVERA:
Componer Plegaria y Canto (al Bodre de La Mar) fue un desafío fantástico que me convirtió en fanático de la música sefardí. De las muchas obras que pude estudiar, me enamoré de las dos canciones que impregnan esta pieza: "Ven Kerida" y "La Tuya Gracia y Hermosura."
Durante el proceso de escritura, tuve una visión recurrente de un alma orgullosa e indefensa acercándose al borde de la ciudad costera de Borriana en el este de España, suplicando su miseria como una afrenta al océano. Después de un silencio, oye una canción. Se une, quizás consolada, y cuenta su historia.
Concierto de música de cámara
Burriana, España
4 de julio de 2024
Fernando Pasqual, violín
Alberto Muñoz, violonchelo
Dúo Cavatina (Eugenia Moliner, flauta & Denis Azabagic, guitarra)
David Leisner (1952-)
Trittico
- Allegro Giusto
- Adagio sospiroso
- Allegro con brio
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Dúo para violín y violonchelo K. 423
- Allegro
- Adagio
- Rondo Allegro
Atanas Ourkouzounov (1970-)
Râga “Ibriama” (dedicado a Eugenia Moliner y Denis Azabagic)
Francisco Tárrega (1852-1909)
Capricho Árabe (guitarra)
Carlos Rafael Rivera (1970-)
Plegaria y Canto (al Bodre de La Mar)
para flauta en sol, violín y guitarra
Notas del Programa
LEISNER:
Encargado y dedicado a James Smith, guitarrista radicado en Los Ángeles y director del departamento de guitarra de la Universidad del Sur de California, Trittico fue compuesto en 1985 y revisado en 2002. Un tríptico es una forma de pintura común en el período renacentista, con tres paneles, a menudo con bisagras en los lados, generalmente con los dos paneles exteriores más pequeños subordinados al grande en el centro. A menudo se utilizaban como retablos.
Por alguna razón irracional pero explícita, la música abstracta de Trittico me parece italiana; de ahí el título y las indicaciones en italiano. El movimiento central es una rapsodia emocionalmente elaborada, con pasajes solistas tanto para violonchelo como para guitarra, mientras que los movimientos exteriores son ligeros y aéreos.
MOZART:
El dúo de cuerdas K.423 de Mozart es originalmente para violín y viola y se clasifica como una de sus obras de cámara más populares y a menudo se toca en arreglos para violín y violonchelo, como se presenta aquí. Lo escribió para completar un conjunto de Michael Haydn. El K.423 en Sol mayor es complejo y conversacional, el apogeo del dúo clásico.
OURKOUZOUNOV:
Atanas Ourkouzounov es una de las personalidades más interesantes de la música contemporánea búlgara. Guitarrista y compositor con una rica formación musical, es considerado uno de los principales autores en el dominio de la música para guitarra de la nueva generación. La amplia inspiración de su lenguaje musical es el resultado de un uso sutil de las formas, una búsqueda rítmica interminable y original, y un trabajo de color que lleva a la guitarra a explorar nuevos territorios y sonoridades. Atanas Ourkouzounov creció en Sofía, Bulgaria, donde comenzó estudios de guitarra con Dimitar Doitchinov. A partir de 1992, continuó sus estudios en Francia con Arnaud Dumond, Alexandre Lagoya y Olivier Chassain. Estudió guitarra, música de cámara, análisis, etnomusicología e improvisación en el Conservatorio de París y se graduó en 1997 con un voto unánime para el primer premio en guitarra.
En la música balcánica y particularmente búlgara, hay una fuerte mezcla de influencias eslavas, musulmanas y romaníes (gitanas). Los romaníes son muy a menudo músicos de alto nivel allí también. Así que no usé en particular ningún tema gitano, pero como dije, las influencias gitanas ya están en la música balcánica. Llamé a la pieza Raga debido a la estructura, una especie de raga balcánica con una introducción lenta y una parte rápida y virtuosa con un ritmo búlgaro de 11/8 llamado Kopanitsa. Como sabemos, los romaníes vienen de la India, así que me parece interesante hacer el puente de las culturas de esa manera. Ibriama es el apodo del mejor clarinetista búlgaro Ivo Papazov, quien también toca a menudo con músicos gitanos. Al final intenté hacer mi propia música personal basada en todos estos parámetros. La pieza fue encargada y dedicada al Cavatina Dúo.
TÁRREGA:
Capricho Árabe es la obra más popular del icónico guitarrista español Francisco Tárrega, quien inició el renacimiento del interés por la guitarra clásica que había caído en desuso durante el período romántico. Viajó extensamente por todo el país, explorando las tradiciones folclóricas de diferentes regiones para crear nuevas estéticas para la música de guitarra que siguen siendo relevantes hasta el día de hoy.
Tárrega escribió su Capricho Árabe en 1888 mientras estaba en Valencia. Se imprimió al año siguiente, convirtiéndose en su primera composición publicada. Tárrega había explorado recientemente el norte de África y la región de Andalucía en España, donde históricamente se mezclaron las culturas musulmana y cristiana. Estos viajes influyeron fuertemente en Tárrega al escribir esta pieza.
Después de la rápida introducción diseñada para evocar asociaciones con el sistema melódico tradicional árabe Maqam, Capricho Árabe gira compositivamente en torno a un solo tema que se desarrolla suavemente en la tonalidad de re menor y luego varía al pasar a re mayor. Esta modulación bastante inusual ayuda a crear un contraste distintivo dentro de la misma obra sin realizar alteraciones serias en el estilo de interpretación. Al final de la pieza, los pasajes melódicos regresan a sus formas originales y ayudan a restablecer la tonalidad menor.
Capricho Árabe, marcado por el compositor en el manuscrito como una serenata, está dedicado a su compatriota Tomás Bretón, cuya contribución al establecimiento de las tradiciones folclóricas españolas en la música clásica fue considerada vital por Tárrega.
Capricho Árabe fue interpretado por varios grupos de músicos en el funeral de Tárrega en 1909.
RIVERA:
Componer Plegaria y Canto (al Bodre de La Mar) fue un desafío fantástico que me convirtió en fanático de la música sefardí. De las muchas obras que pude estudiar, me enamoré de las dos canciones que impregnan esta pieza: "Ven Kerida" y "La Tuya Gracia y Hermosura."
Durante el proceso de escritura, tuve una visión recurrente de un alma orgullosa e indefensa acercándose al borde de la ciudad costera de Borriana en el este de España, suplicando su miseria como una afrenta al océano. Después de un silencio, oye una canción. Se une, quizás consolada, y cuenta su historia.
Concierto Inaugural
Racó de la Abadía, Burriana, España, 30 de junio 2024
Francisco López, flauta, Cavatina Duo (Eugenia Moliner, flauta & Denis Azabagic, guitarra),
Luis Arias, piano
Programa:
Léo Delibes (1836-1891)
El duo de las Flores de Lakmé
(arreglo de Jeanne Baxtresser para dos flautas y piano)
Ian Clarke (1977)
Maya para dos flautas y piano
Maurice Ravel (1875-1937)
Pieza en forma de habanera (flauta y piano)
Gabriel Fauré (1845-1924)
Fantaisie op.79 (flauta y piano)
- Andantino
- Allegro
Frédéric Chopin (1810-1849)
Nocturno en Do# menor op. Póstumo (piano)
Máximo Diego Pujol (1957-)
Suite del Plata (guitarra)
- Preludio
- Tango
- Milonga
- Murga
- Candombe
David Leisner (1952-)
Dances in the Madhouse (flauta y guitarra)
- Tango Solitaire
- Waltz for the Old Folks
- Ballad for the Lonely
-Samba!
Notas del Programa:
DELIBES: La ópera Lakmé está ambientada en la India y Delibes utiliza la música en el “Dúo de las flores” para evocar las vistas y los aromas de una escena junto al río abundante en flores y el canto de los pájaros. La pieza utiliza un compás de 6/8 (6 corcheas por compás que se sienten como dos conjuntos de tres en un movimiento suavemente oscilante). Esto crea una sensación de balanceo que se refleja en el suave ascenso y descenso de las líneas vocales. Las dos voces femeninas pasan gran parte de la pieza juntas, apenas un tercio aparte, creando una armonía siempre agradable al oído. En la forma de la melodía, podemos escuchar el canto de los pájaros que se describe en la letra, así como el rápido fluir del río.
CLARKE: Una pieza bellamente soñadora y accesible que utiliza algunos giros de notas. Un buen ejercicio de doble picado para cada parte con ambas líneas compartiendo la melodía ascendente. Aparte del uso expresivo de los agujeros abiertos, las partes avanzan con melodías alternantes y pasajes de semicorcheas burbujeantes. El título ‘Maya’ se refiere al significado de ‘ilusión’ en lugar de la civilización sudamericana. Basado en una obra temprana ‘Passage’ (Clarke/Hicks/Painter) de 1986, fue reescrita y arreglada por Ian Clarke en su forma actual en 2000.
RAVEL: Maurice Ravel compuso originalmente su Pieza en forma de Habanera como un Vocalise étude en forma de Habanera para voz de bajo y piano en 1907. Una canción sin palabras, Ravel tomó como modelo la lenta y sensual danza española llamada habanera —como la mayoría de los compositores franceses de la época, Ravel estaba fascinado por la música de España— y la utilizó como base de un ejercicio virtuoso cegadoramente difícil para la voz de bajo. Ravel más tarde transcribió la obra para violonchelo y piano —una transcripción que conserva toda la virtuosidad del original— y a partir de esta se han hecho varios arreglos para prácticamente cualquier instrumento con aspiraciones de gloria virtuosa. Aquí hay una bonita versión de esta composición, arreglada para flauta y piano.
FAURÉ: La Fantasía fue compuesta por Gabriel Fauré en 1898 para Paul Taffanel, un flautista francés y colega de Fauré en el Conservatorio de París. La apertura de la Fantasía, Andantino, es una Siciliana fluida. La introducción se deleita en el sonido sinuoso de una lenta melodía de flauta con un simple acompañamiento de nota baja alternada y después un compás. Las inflexiones cromáticas proporcionan deleites inesperados después de la lenta melodía, y el pasaje similar a una cadencia para la flauta al final del Andantino hace una elegante preparación para el Allegro. El Allegro se basa en dos ideas: un tema ligero y alegre con rápidas subidas para mostrar la agilidad del flautista, y una melodía más expresiva y fluida. Ambas regresan con alteraciones; la idea alegre vuelve como una serie de notas rápidas repetidas para la flauta. Paralelamente y en contraste con el final natural de la introducción, la coda de toda la pieza ofrece una exhibición de saltos y corridas virtuosas para despedir al flautista con gran estilo.
CHOPIN: Chopin dedicó esta obra a su hermana mayor Ludwika Chopin, con la declaración: "A mi hermana Ludwika como un ejercicio antes de comenzar el estudio de mi segundo Concierto". Publicada por primera vez 21 años después de la muerte del compositor, la pieza suele referirse como Lento con gran espressione, por su indicación de tempo. A veces también se llama Reminiscencia. La pieza fue interpretada por la sobreviviente del Holocausto Natalia Karp para el comandante del campo de concentración nazi Amon Goeth, quien quedó tan impresionado con la interpretación que perdonó la vida de Karp. Esta también fue la pieza interpretada por el sobreviviente del Holocausto y famoso pianista polaco Władysław Szpilman (la figura central de la película de Roman Polanski de 2002, El Pianista) durante la última transmisión en vivo de la radio polaca el 23 de septiembre de 1939 cuando Varsovia estaba sitiada por el ejército alemán. Años más tarde Szpilman también interpretó esta pieza para el oficial del ejército alemán Wilm Hosenfeld en su primer encuentro, aunque en la escena correspondiente de la película Szpilman interpreta una versión abreviada de la Balada No. 1 en Sol menor, Op. 23 de Chopin. Hosenfeld luego ayudó a Szpilman a esconderse y le proporcionó comida en los últimos meses de la guerra.
PUJOL: Preludio: La suite se abre con "Preludio", una pieza que establece el tono con una introducción evocadora. Este movimiento captura la esencia de las tradiciones musicales argentinas, combinando armonías ricas con melodías intrincadas. El uso de motivos rítmicos y contrastes dinámicos por parte de Pujol crea una atmósfera de anticipación, invitando a los oyentes a explorar el diverso paisaje sonoro de la suite.
Tango: Siguiendo al "Preludio", el movimiento "Tango" destaca la profunda conexión de Pujol con una de las formas musicales más icónicas de Argentina. Esta pieza se caracteriza por su intensidad apasionada y rítmica, reflejando los orígenes del baile en las calles y salones de Buenos Aires. La interpretación moderna del compositor agrega complejidad y matices, haciendo de esta pieza un vibrante tributo al tango tradicional.
Milonga: El movimiento "Milonga" ofrece una experiencia más relajada, pero rítmicamente envolvente. Originaria de las regiones rurales de Argentina, la milonga precede al tango y tiene un patrón rítmico distintivo que es a la vez relajado y animado. La composición de Pujol combina maravillosamente esta forma tradicional con elementos clásicos contemporáneos, mostrando el potencial lírico de la guitarra.
Murga: En "Murga", Pujol se inspira en las actuaciones callejeras festivas que son un elemento básico de las celebraciones del carnaval argentino. Este movimiento se caracteriza por su carácter animado y alegre, con ritmos sincopados y melodías juguetonas. La música evoca la naturaleza colorida y exuberante de las murgas, capturando su esencia a través de pasajes vibrantes y dinámicos.
Candombe: La suite concluye con "Candombe", un movimiento que rinde homenaje a la tradición musical afro-uruguaya profundamente arraigada en la región del Río de la Plata. Esta pieza se impulsa por su estructura rítmica convincente, influenciada por los patrones de percusión africanos. Pujol integra estos ritmos tradicionales con su propio lenguaje armónico, creando un final poderoso y rítmicamente envolvente que celebra la fusión cultural.
LEISNER: El compositor escribe: "Dances in the Madhouse fue escrita en 1982. Originalmente para violín y guitarra, fue compuesta pensando en la flauta como una alternativa. También la arreglé para orquesta en 1989. La inspiración para esta pieza fue una litografía del estadounidense George Bellows, llamada 'Dance in a Madhouse'. En ella, se destacan cuatro grupos de internos del asilo, y escribí un baile para cada uno de ellos. ‘Tango Solitaire’ es para la mujer que baila sola, con estilo. 'Waltz for the Old Folks' es para una pareja feliz que parece perfectamente cómoda con su locura. Una pareja de mujeres desoladas y desesperadas, sentadas al margen, inspiró 'Ballad for the Lonely'. Y ‘samba!’ es para la pareja de mediana edad que realiza un baile salvaje y vertiginoso."
Racó de la Abadía, Burriana, España, 30 de junio 2024
Francisco López, flauta, Cavatina Duo (Eugenia Moliner, flauta & Denis Azabagic, guitarra),
Luis Arias, piano
Programa:
Léo Delibes (1836-1891)
El duo de las Flores de Lakmé
(arreglo de Jeanne Baxtresser para dos flautas y piano)
Ian Clarke (1977)
Maya para dos flautas y piano
Maurice Ravel (1875-1937)
Pieza en forma de habanera (flauta y piano)
Gabriel Fauré (1845-1924)
Fantaisie op.79 (flauta y piano)
- Andantino
- Allegro
Frédéric Chopin (1810-1849)
Nocturno en Do# menor op. Póstumo (piano)
Máximo Diego Pujol (1957-)
Suite del Plata (guitarra)
- Preludio
- Tango
- Milonga
- Murga
- Candombe
David Leisner (1952-)
Dances in the Madhouse (flauta y guitarra)
- Tango Solitaire
- Waltz for the Old Folks
- Ballad for the Lonely
-Samba!
Notas del Programa:
DELIBES: La ópera Lakmé está ambientada en la India y Delibes utiliza la música en el “Dúo de las flores” para evocar las vistas y los aromas de una escena junto al río abundante en flores y el canto de los pájaros. La pieza utiliza un compás de 6/8 (6 corcheas por compás que se sienten como dos conjuntos de tres en un movimiento suavemente oscilante). Esto crea una sensación de balanceo que se refleja en el suave ascenso y descenso de las líneas vocales. Las dos voces femeninas pasan gran parte de la pieza juntas, apenas un tercio aparte, creando una armonía siempre agradable al oído. En la forma de la melodía, podemos escuchar el canto de los pájaros que se describe en la letra, así como el rápido fluir del río.
CLARKE: Una pieza bellamente soñadora y accesible que utiliza algunos giros de notas. Un buen ejercicio de doble picado para cada parte con ambas líneas compartiendo la melodía ascendente. Aparte del uso expresivo de los agujeros abiertos, las partes avanzan con melodías alternantes y pasajes de semicorcheas burbujeantes. El título ‘Maya’ se refiere al significado de ‘ilusión’ en lugar de la civilización sudamericana. Basado en una obra temprana ‘Passage’ (Clarke/Hicks/Painter) de 1986, fue reescrita y arreglada por Ian Clarke en su forma actual en 2000.
RAVEL: Maurice Ravel compuso originalmente su Pieza en forma de Habanera como un Vocalise étude en forma de Habanera para voz de bajo y piano en 1907. Una canción sin palabras, Ravel tomó como modelo la lenta y sensual danza española llamada habanera —como la mayoría de los compositores franceses de la época, Ravel estaba fascinado por la música de España— y la utilizó como base de un ejercicio virtuoso cegadoramente difícil para la voz de bajo. Ravel más tarde transcribió la obra para violonchelo y piano —una transcripción que conserva toda la virtuosidad del original— y a partir de esta se han hecho varios arreglos para prácticamente cualquier instrumento con aspiraciones de gloria virtuosa. Aquí hay una bonita versión de esta composición, arreglada para flauta y piano.
FAURÉ: La Fantasía fue compuesta por Gabriel Fauré en 1898 para Paul Taffanel, un flautista francés y colega de Fauré en el Conservatorio de París. La apertura de la Fantasía, Andantino, es una Siciliana fluida. La introducción se deleita en el sonido sinuoso de una lenta melodía de flauta con un simple acompañamiento de nota baja alternada y después un compás. Las inflexiones cromáticas proporcionan deleites inesperados después de la lenta melodía, y el pasaje similar a una cadencia para la flauta al final del Andantino hace una elegante preparación para el Allegro. El Allegro se basa en dos ideas: un tema ligero y alegre con rápidas subidas para mostrar la agilidad del flautista, y una melodía más expresiva y fluida. Ambas regresan con alteraciones; la idea alegre vuelve como una serie de notas rápidas repetidas para la flauta. Paralelamente y en contraste con el final natural de la introducción, la coda de toda la pieza ofrece una exhibición de saltos y corridas virtuosas para despedir al flautista con gran estilo.
CHOPIN: Chopin dedicó esta obra a su hermana mayor Ludwika Chopin, con la declaración: "A mi hermana Ludwika como un ejercicio antes de comenzar el estudio de mi segundo Concierto". Publicada por primera vez 21 años después de la muerte del compositor, la pieza suele referirse como Lento con gran espressione, por su indicación de tempo. A veces también se llama Reminiscencia. La pieza fue interpretada por la sobreviviente del Holocausto Natalia Karp para el comandante del campo de concentración nazi Amon Goeth, quien quedó tan impresionado con la interpretación que perdonó la vida de Karp. Esta también fue la pieza interpretada por el sobreviviente del Holocausto y famoso pianista polaco Władysław Szpilman (la figura central de la película de Roman Polanski de 2002, El Pianista) durante la última transmisión en vivo de la radio polaca el 23 de septiembre de 1939 cuando Varsovia estaba sitiada por el ejército alemán. Años más tarde Szpilman también interpretó esta pieza para el oficial del ejército alemán Wilm Hosenfeld en su primer encuentro, aunque en la escena correspondiente de la película Szpilman interpreta una versión abreviada de la Balada No. 1 en Sol menor, Op. 23 de Chopin. Hosenfeld luego ayudó a Szpilman a esconderse y le proporcionó comida en los últimos meses de la guerra.
PUJOL: Preludio: La suite se abre con "Preludio", una pieza que establece el tono con una introducción evocadora. Este movimiento captura la esencia de las tradiciones musicales argentinas, combinando armonías ricas con melodías intrincadas. El uso de motivos rítmicos y contrastes dinámicos por parte de Pujol crea una atmósfera de anticipación, invitando a los oyentes a explorar el diverso paisaje sonoro de la suite.
Tango: Siguiendo al "Preludio", el movimiento "Tango" destaca la profunda conexión de Pujol con una de las formas musicales más icónicas de Argentina. Esta pieza se caracteriza por su intensidad apasionada y rítmica, reflejando los orígenes del baile en las calles y salones de Buenos Aires. La interpretación moderna del compositor agrega complejidad y matices, haciendo de esta pieza un vibrante tributo al tango tradicional.
Milonga: El movimiento "Milonga" ofrece una experiencia más relajada, pero rítmicamente envolvente. Originaria de las regiones rurales de Argentina, la milonga precede al tango y tiene un patrón rítmico distintivo que es a la vez relajado y animado. La composición de Pujol combina maravillosamente esta forma tradicional con elementos clásicos contemporáneos, mostrando el potencial lírico de la guitarra.
Murga: En "Murga", Pujol se inspira en las actuaciones callejeras festivas que son un elemento básico de las celebraciones del carnaval argentino. Este movimiento se caracteriza por su carácter animado y alegre, con ritmos sincopados y melodías juguetonas. La música evoca la naturaleza colorida y exuberante de las murgas, capturando su esencia a través de pasajes vibrantes y dinámicos.
Candombe: La suite concluye con "Candombe", un movimiento que rinde homenaje a la tradición musical afro-uruguaya profundamente arraigada en la región del Río de la Plata. Esta pieza se impulsa por su estructura rítmica convincente, influenciada por los patrones de percusión africanos. Pujol integra estos ritmos tradicionales con su propio lenguaje armónico, creando un final poderoso y rítmicamente envolvente que celebra la fusión cultural.
LEISNER: El compositor escribe: "Dances in the Madhouse fue escrita en 1982. Originalmente para violín y guitarra, fue compuesta pensando en la flauta como una alternativa. También la arreglé para orquesta en 1989. La inspiración para esta pieza fue una litografía del estadounidense George Bellows, llamada 'Dance in a Madhouse'. En ella, se destacan cuatro grupos de internos del asilo, y escribí un baile para cada uno de ellos. ‘Tango Solitaire’ es para la mujer que baila sola, con estilo. 'Waltz for the Old Folks' es para una pareja feliz que parece perfectamente cómoda con su locura. Una pareja de mujeres desoladas y desesperadas, sentadas al margen, inspiró 'Ballad for the Lonely'. Y ‘samba!’ es para la pareja de mediana edad que realiza un baile salvaje y vertiginoso."
